STOKER | Lazos Perversos

Chan-wook Park , director surcoreano llega al cine americano gracias a Wentwhorth Miller III (protagonista de Prision Break) quien escribe "Stoker" y su preculea "Uncle Charly" en el 2010 bajo el seudónimo de Ted Foulke, y es traída al cine en el 2013, revelándose como una obra maestra del terror psicológico, que si bien no será del gusto de público en general, se convertirá en  una película de culto  comparable a los films de Alfred Hitchcock, de quien Miller dice estar influenciado para dar punto de partida a su guión.

Stoker hace referencia al apellido de la familia, India Stoker (Mia Wasikowska) cumple 18 años y comienza una transformación gracias a ciertos eventos inesperados como:  la muerte de su padre Richard Stoker (Dermont Mulroney), el regreso de su tío Charly Sotker(Mathew Goode)  -totalmente desconocido para ella-, y los desequilibrios emocionales de su madre Evelyn Stoker (Nicole Kidman).

Lo maravilloso del film es la forma como se cuenta la historia, el director se pasea con la cámara entre desenfoques y acercamientos inesperados que crean tensión, ademas de  una inusual calma que causa todo ese suspenso, manteniendo la atencion hasta el final, con una interrogante que parece desvelarse a ratos pero que se oculta nuevamente:  "¿Qué es lo que va a ocurrir?". Chan-wook Park , desconocidos para muchos de nosotros tiene en Corea varios éxitos, como Soy un Cyborg,  Seguridad máxima, Simpatia por la Vengaza (trilogia), entre muchos otros, con un estilo similar al cine negro americano de los 40, donde la importancia está en los actos delictivos y la violencia, pero con un alto grado de estilización y  suspenso,  y le suma una marcada influencia de  Franz Kafka que le imprime surealismo y absurdo a sus escenas. En Stoker se añade un color estilizado y un sonido muy cuidado, que nos hechiza  con símbolos y metáforas transformándola en un  poema a la violencia, a la belleza y a la sensualidad. Una sensualidad dosificada que crea estados de perversión angustiante necesario para un clima de aversión y a la vez seductor que no evita querer mirar.

Mia Wasikowska, después de no acertar en su papel de Alicia en el país de las Maravillas, se ve especialmente adecuada en el personaje de India, inexpresiva y distante, en un estilo neogótico de pérdida de inocencia, convence y nos causa curiosidad saber cuales serán sus decisiones porque su naturaleza ya no puede ser contenida por la presencia de su padre y ahora que su tio Charly despierta en ella mas que admiración, gracias a la mirada intensa que Mathew Goode ha trabajado para este personaje, produciendo tensión entre ambos, y mostrándose arrogante y victorioso hasta el final. Mientras Nicole regresa después de un tiempo en un papel que la reivindica como una gran actriz,  con diálogos contundentes que demuestra lo importante que es ser madre sin desearlo, casi fantasmal por las pocas escenas en las que aparece, menos angustiada que en Los Otros, pero con su voz como arma, se presenta elegante y sensual. Este pequeño y suficiente reparto convence solo con miradas cómplices y expresiones silenciosas, y aunque en algunos momentos son muy literales no aburren con la retórica sino que dan una comprensión a los hechos.

La música a cargo de Clint Manseel (Requiem para un sueño. El cisne Negro, entre otras) no pierde presencia y ayuda en la tensión constante acompañando cada escenas con sonidos sombríos y enfáticos,  quien mezcla lo clásico: Dueto de Phillip Glass y Stride la Vampa de la Opera Il Trovattore de G. Verdi, lo popular: Nancy Sinatra y Lee Hazlewood con "Summer wine" , lo electrónico, y lo contemporáneo con la participación de Emily Wells en el tema Become the colours que contrasta con el resto de la musicalización por ser un hip hop que  añade ese sentido atemporal y vigente al film. 

En la  fotografía el director Chung Hoon Chung, quien ha acompañado a Chan en su últimos filmes, hace de esta una atmósfera de disfrute del color, y con escenografía sencilla y reducida a una casa y una planta de la casa  nos dice que mas que un hogar es una cárcel, de la que India particularmente se quiere liberar.

La protagonista es India,  su particular sensibilidad y la necesidad de encajar, ahora mas que su padre ha muerto y necesita encontrar su lugar, y es así como Chan nos muestra con secuencias, transiciones, enfoques, desenfoques y  encuadres,  la  particular mente de India, casi todo contado desde ella incluida narración en off donde afirma: "Mis oídos oyen lo que otros no pueden oír. Las pequeñas y lejanas cosas que la gente normalmente no ven son visibles para mi." es esto lo que el director  se encarga de reforzar con una cámara y un sonido virtuosos y nos permite percibir  lo que ella percibe, maximizando  el sonido del aceite caliente, el cascaron de un huevo que se resquebraja, el color y la luz que penetra nuestros ojos,  enfocando un personaje y desenfocando el resto para darle la importancia que ella le da, haciendo que nuestros sentidos se abran como los de India, sumergiéndonos en el placer por la violencia y la perversión sexual.

360 grados | El circulo perfecto

El director Fernando Mierelles (Ciudad de Dios, El Jardinero Fiel, Ceguera) y el guionista  Peter Morgan ( La Reina, EL ultimo Rey de Escocia, La otra Bolena) inspirados en La Ronde (1897) de Arthur Schnizler se pasean por una serie de encuentros entre personas de diferentes estratos sociales, relacionados por un interés sexual, y su respuesta ante estas situaciones, como un reflejo de la sociedad en la que vivimos.

Una historia que comienza en Viena, y pasa por París, Londres, Bratislava, Denver, Rio y Phoenix, en una película Coral que reúne pequeñas historias cruzadas, en un estilo que ya no es tan novedoso mostrado en  BABEL, CRASH, 21Gramos, Las Horas,  entre otros.

La intención del director y guionista es traer a nuestra época una historia ya contada, Arthur Schnizler enlaza  en 1897, diez historias protagonizadas por parejas de amantes, donde pone de manifiesto el instinto sexual sobre las convenciones sociales, el ser humano queda reducido a lo mas primitivo e innato: el impulso sexual.

Mierelles con su talento y sin melodramas, ni profundidades, narra de forma  agradable los encuentros. Si bien aburre en unos tantos, y otros podrían no estar,  nos pasea por todas estas ciudades sin sentir los saltos y realmente cuenta una historia circular (360)  que se cierra justo donde comenzó,  de manera muy sutil presenta desde una comedia romántica hasta un suspenso psicológico que  no profundiza en los personajes, porque lo importante es mostrar el momento, ese momento que puede cambiar tu visión de las cosas,  sin protagonistas, solo un paseo por cada situación  y como reaccionan en cada uno de ellos. No solo en el aspecto de las relaciones o el sexo, sino una mirada soslayada a  la moral y  aspectos sociales del siglo XXI como la trata de blanca, la reiserción social de un ex-convicto,  la perdida de un familiar, las leyes religiosas, infidelidad, etc., todo eso como abre-boca que si quiere el espectador lo digiere o no, sin obligarnos a emitir juicios, son solo cosas que suceden, en un collage de mundo como en el que vivimos, y las va entrelazando de manera inteligente.

Como no hay protagonistas, existe una gama de grandes actores en el reparto como Jude Law, Rachel Weisz, Anthony Hopkin,  Ben Foster quien también es americano, Maria Flor quien es Brasilera, acompañados por los europeos Lucia Siposova (Rep Checa), Jamel Debbouze (Francia), Moritz Bleibtreu (Alemania), Vladimir Vdovichenkov (Rusia), quienes gozan de gran popularidad en sus países de origen aunque para nosotros son poco o nada conocidos. Aunque el director afirma no haber agregado nada al guion original  confiesa que Anthony Hopkins quiso dar un matiz adicional a su personaje, contando parte de su propia vida, siendo un hombre maduro, exitoso y ganador, que tenia problemas con el alcohol y logra resolverlos.

Aunque se busca un sentido de unidad o un circulo de 360 grados, hay saltos atrás y transiciones que hacen de este un circulo mas o menos  cubista, con diferentes caras, y compuesta de pequeños círculos que son las historias, mas como una tela de araña intima y a veces romántica  sin intenciones de dar un fuerte mensaje a la sociedad, solo mostrarla tal cual es.

Los Croods | El Mito de la Caverna

Platón nos explica en el Libro VII de la República El Mito de la Caverna, una historia que describe dos mundos: el sensible, aquel que se refiere a las apariencias y codificamos por las experiencias recogidas por nuestros sentidos,  y el mundo de las ideas, que supone el mundo verdadero que se alcanza a través de la razón. Explica la relación entre ambos mundos, y su importancia para alcanzar el conocimiento.

Narra la historia de unos hombres prisioneros en una cueva que imposibilitados a moverse solo miran en dirección a un muro donde se reflejan sombras y la luz de una hoguera, uno de ellos escapa pero la luz del sol es dolorosa a sus ojos, y comienza su adaptación, se da cuenta que las sombras no son la realidad y comienza a aprehender los objetos como son, luego va a un lugar mas alto donde puede percibir el cielo, las estrellas y por último el sol. Entre alegorías y metáforas nos habla de un hombre que vive en su ignorancia, que de manera empírica percibe el mundo,  comienza a razonar y a comprender, y alcanza a través de la razón el mundo de las ideas y el conocimiento representado por el sol.

Producida por los estudios Dreamworks y distribuida por Fox se encuentra en  el primer lugar de taquilla. Dirigida por: Kirk de Mico y Chris Sander quienes tienen en su haber  "Space Chimps 2", "Lilo y Stich" y  "Como entrenar a un Dragón".  Además, han participado como actores,  productores o escritores en otras películas de animación como "El Rey León" o "La bella y la bestia", "La espada mágica", "Héroe a Rayas" y "Hong Kong Phooey" (aun en preproducción). La banda sonora a cargo de Alan Silvestri (Volver al Futuro, Forrest Gump y Los Vengadores), quien compuso el tema original para  la película "Shine the way", interpretado por la agrupación canadiense Owl City y Yuna (cantante y compositora nacida en Malasia).

Las voces hechas por actores estelares como Nicolas Cage, Ryan Reynolds y Emma Stone, realmente no aportan nada ya que ha sido doblada por actores mexicanos para nosotros desconocidos, pero que dan vida y personalidad a estos dibujos animados: Humberto Solorzano ( Grug ) Eiza González (Eep), Alfonso Herrera (Guy), Gabriela Gómez (Ugga) entre otros,
Con un argumento contado de manera amena, no se les escapó nada: emociones, acción, romance y comedia. Una animación que supera las expectativas con logros estéticos y visuales, representación realista de los paisajes, personajes que cautivan a los espectadores, porque no hay quien no se identifique con la dinámica familiar. Un 3D que no produce vértigo, mucho color, humor inteligente, poco predecible y aunque lleguemos a anticipar el desenlace igual nos mantiene entretenidos. Sale rápidamente de los momentos dramáticos y conserva la comedia y la acción, divirtiendo a los mas pequeños aunque no entiendan ciertos diálogos o el mensaje Platónico. Su objetivo entretener y recaudar millones de $$.

Los Miserables | El Musical

El genero del Musical tuvo su origen en el siglo 19 como derivado de la opereta, la comedia musical, la zarzuela y otros similares, se dice comenzó en Europa, pero tuvo mayor auge en NY, donde se le dedica temporadas enteras en teatros diseñados exclusivamente para estas grandes y costosas producciones.

Desde la aparición del cine sonoro se incluían  canciones para  demostrar como se estaba dominando el audio en las películas como en "El cantante de Jazz" compuesta  principalmente de canciones y en partes muda  ( Alan Crosland, 1927) , el musical salta al cine  adquiriendo un lenguaje cinematográfico apartado del teatro, caracterizado por composiciones originales, coreografías y grandes escenarios,   y  desde que se le otorgo  Oscar a mejor película en 1929 a "La Melodia de Brodaway", el genero  tiene su época dorada hasta 1960 y hoy después de décadas de intentos por recuperar la atención del público, parece lograrlo con "Les Misèrables"

Les Misèrables, es la adaptación musical de la novela del mismo nombre de Victor Hugo estrenada en 1980. La música fue compuesta por Claude-Michael Schönberg quien ha escrito también  La Reina Pirata, La Revolución Francesa y Cleopatra, entre otros. La letra por Alain Boublil y Jean-Marc Natel y la colaboración de Herbert Kretxmer.  Consiguio dos premios Tony y un Grammy  en 1987. Sin embargo para la versión cinematográfica Boublil, Ketxmer y Shöenberg escribieron una nueva canción (Suddely) y nueva música incidental.

Victor Hugo uno de los escritores mas importantes del romanticismo, muestra la miseria, las emociones y los sentimientos,(  amor, tragedia , dolor, pasiones), exalta la religión  el patriotismo, la libertad y la igualdad. Su Protagonista Jean Vealjean ha violado su libertad condicional y el policía Javert lo busca incansablemente, Pero Vealjan conoce a Fantine, a quien le promete cuidar de su pequeña hija Cossette, esta decisión cambia sus vidas para siempre.

La adaptación fílmica bajo la dirección de Tom Hooper y las actuaciones de Hugh Jackman, Anne Hattaway, Russell Crowe, Amanda Seyfried, Sasha Baron Cohen, Helena Boham Carter, Samantha Barks, Eddie Redmayne y Aaron Tveit,  le ha valido varios reconocimientos entre los que destacan
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Mejor Pelicula: Instituto Americano de Peliculas, Globo de Oro, Criticos en linea de Cine de NY.

Mejor Maquillaje y peinados : Oscar, BAFTA,

Mejor Sonido: Oscar, BAFTA, Premios Satelite.

Mejor Diseño de Produccion: BAFTA, Festival de cine de Hollywood.

Mejor Actor (Hugh Jackman): Globo de Oro.

Mejor Elenco: Asociacion de Criticos de Washintong, Premios Satelite.

Mejor Cancion Original: Sociedad de Criticos de Houston, Premios Satelite.

Mejor Actriz de reparto (Anne Hattaway): Oscar, BAFTA, Asociacion de criticos del cine y la television, Globo de Oro, Sociedad de Criticos de Houston, Criticos en linea de NY, Asociacion de Criticos de Washintong. Circulos de Criticos de Londres, Premios Satelite, Sindicato de Actores.

A diferencia de la versión teatral los actores no poseen gran calidad vocal y es menos operatica, Tom Hooper pidió que cantaran  en vivo durante el rodaje, y así desencadenar las emociones que despierta las presentaciones en directo, además añade: "muchos de los films de hoy tratan de entretenimiento, distracción y de generar fantasías irresponsablemente, de alguna manera Los Miserables no hace esto, nos lleva a otros lugares y otras formas de pensamiento, nos muestra un problema moral y nadie sabe lo difícil que es hacer una película con este contenido y lograr una relación entre la estructura fílmica y la estructura musical."

Se estrenará en las salas nacionales a finales de Marzo, un genero de difícil aceptación, sobre todo por los pocos diálogos hablados, además de una duración de 2 horas 44 minutos, pero con una gran maquinaria publicitaria, tantos premios en su haber, además de un elenco reconocido es probable que en Venezuela logre la afluencia esperada.

El juego del destino | "...El amor es un intercambio de necesidades"

Pat Solitano (Bradley Cooper) es un hombre de treinta y tantos que luego de salir de una institucion mental regresa a vivir con sus padre y con actitud positiva quiere recuperar a sus esposa Nikki, pero en el camino conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence) con quien comienza una amistad basada en el beneficio mutuo.


Algunas diferencias trae la adaptacion de The Silver Lining Playbook, Basada en la novela del mismo nombre la primera de Matthew Quick,  y se le ha traducido como  "EL juego del destino". David O. Russell  hace énfasis en las relaciones familiares, propicia un encuentro entre Pat y Nikki que en el libro no se da, y para que sea mas romántica aun, es Pat quien declara su amor a Tiffany, cuando es ella quien lo hace y confiesa las cosas que hizo para acercarse a el y cuanto lo necesita.


Salvo por Robert De Niro y Jackie Waever como los padres de Pat en el film, las demás actuaciones son realmente promedio. Comienza con buen ritmo, bastante acelerado acompañado de la musica que llega a crispar los nervios mostrando así los estados mentales, y luego decanta hacia un final predecible y complaciente lleno de resoluciones sencillas y un gran abrazo familiar,  sin embargo mantiene el ritmo entre los actores gracias a los diálogos bien llevados donde destacan algunos procesos psicológicos y las relaciones afectivas, lo que la calificaría en la mas "seria comedia romántica".
Hay algunos juegos de cámara como el paneo del atuendo de Ronny en la entrada de su casa, reforzando una idea de superioridad, no se si necesaria,  la secuencia donde se aleja de la pareja en la calle de Nueva York, y la cámara que sigue Jennifer Lawrence en el baile antes de dar el salto que mas que generar emoción es incomoda, decisiones que Russell sabrá explicar muy bien pero para nosotros son confusas.

 Es una película que habla de aquellas actitudes que ocultamos bajo la supuesta normalidad y donde todos tenemos una patología  (manejo de Ira, trastornos obsesivos compulsivos, de atencion,  problemas sexuales, bipolaridad entre otros), que tratamos de minimizar con recursos comunes, sin el uso de de terapias o drogas, al menos que  sea estrictamente necesario. Aunque,  de una manera mas escandalosa  habla sobre la manipulación,  aquellos que desean tu bien y dicen amarte quieren algo a cambio, y manejan las situaciones a su antojo aprovechándose de una debilidad mental y/o  emocional para su propio beneficio. Exalta la co-dependencia,  reforzando que el otro es necesario para salir adelante. Además,  no hay nada que no pueda resolver un poco de trote diario, lecciones de  baile y una relación amorosa.

 Fomenta las relaciones entre iguales, negros con negros, pobres con pobres y locos medicados psicóticos con los de su especie, cada oveja con su pareja, Recuerda libros y películas dedicadas a adolescentes con el mismo problemas e  igual resolución como "Las ventajas de ser un marginado" (The Perks of being a wallflower),  con ese entorno de fantasía donde encuentras tu par igual para que todo parezca "normal", y las conversaciones de sobremesa serán sobre antidepresivos y terapias de grupo logrando ser felices para siempre, reforzando la creencia que la amistad es un intercambio de favores y el amor un intercambio de necesidades.

Tenemos que hablar de Kevin | Injustificando la maldad

"...Si hubiese obtenido un 10 en geometría no estuvieras viendo mi historia en la TV", es el único llamado de conciencia para revisar  que hacemos como sociedad y como personas, no solo con los mensajes de violencia de los medios, sino con las acciones que tenemos para con los otros.

Basada en el libro del mismo nombre Tenemos que hablar de Kevin trata de la relación madre e hijo, Tilda Swinton en el papel de Eva Katchadourian, en una actuación desgarradora de una madre que lucha por conocer las razones de su hijo Kevin para su comportamiento, interpretado por Ezra Miller, quien destaca su versatilidad como actor y le da carácter a su interpretación, aunque son personajes demasiado estructurados y pecan por ser algo planos, ambos salen adelante con elogios. Poco aportan John C. Reilly como Franklin el padre de Kevin y Ashley Gerasimovich como Celia la hermana menor, quien  lo hace mucho mas natural que Jasper Newell en su papel de Kevin de 6 años. Pero lo importante aquí es el conflicto entre los protagonistas y su desarrollo.

Con un libro hecho por una mujer Lionel Sriver, una película hecha por otra mujer Lynne Ramsay, y co-producido por Tilda Swinton, no es de extrañarnos que el personaje de Eva sea por quien sintamos  empatía ante el calvario que vive con su hijo, quien se culpa, y por medio de  flashback  busca en su memoria acabar con ese sentimiento y encontrar razones para lo que Kevin ha hecho.

Nadie quiere  hablar de Kevin y de sus acciones y por eso la directora sugiere lo que sucede: con color, o con solo miradas y gestos, y con escenarios minimalista nos aparta del tema y no nos involucra con lo que sucede en la mente de la madre.   Y evade al igual que  Eva la situación  pero peca en mostrar demás a través de diálogos obvios, exceso de rojo u otros escenarios opresivos que dejan todo en evidencia y vuelve predecible la historia. Igual la banda sonora a cargo de Jonny Greenwood, que utiliza música country con letras que redundan en lo que esta sucediendo y temas instrumentales que pasan un tanto desapercibidos a causa del ambiente tenso del film.

Sin embargo el desarrollo de la psicología de los personajes salva la película,  que es un drama con suspenso y  terror que no tiene nada que ver con lo paranormal, nos mantiene atentos ante lo predecible y seguimos la historia, porque al igual que Eva queremos conocer las razones de los actos de Kevin. Podemos pensar que el intento fallido de Eva como madre influye sobre el niño, o que el exceso de optimismo de Franklin por ser una familia feliz hace caso omiso a las señales y consiente el comportamiento de Kevin. Sin embargo las reflexiones se quedan en el publico, no importa lo que pensemos, aquí no hay trauma infantil, abuso, o posesión demoníaca que permita la redención del niño y nos deje seguir creyendo en el bien. Es la radiografía de la maldad innata y sus consecuencias y la posibilidad de reconocer que quien es cercano no es mas que un extraño a quien no puedes amar.

Se proyectará en Marzo de 2013 en las salas nacionales, aunque fue estrenada en Octubre de 2011.
Otra  película que llega con muchísimo retraso y de las que permanecerá como Moonrise Kingdons solo una semana en cartelera.

La Vida de Pi | ¿Una historia sobre Religión?

En una entrevista Yann Martel reveló que buscaba algo mas que una historia que contar...necesitaba una dirección para su vida. La novela se convirtió en esa dirección y propósito. También declaró que su inspiración para el libro vino de leer una reseña de la novela corta del autor brasileño Moacyr Sclair "Max y los gatos", y en lugar de un niño judeo-alemán Martel uso un niño Hindú, en vez de un jaguar, un tigre de bengala, y en lugar de el océano pacifico, el atlántico. Sclair comenzó una demanda pero luego la abandonó al hablar con Martel y conocer sus razones y quizá porque el escándalo no dio sus frutos.

La Vida de Pi se trata sobre un niño que se hace musulmán cristiano e hinduista, que naufraga 227 días en el océano al lado de un tigre de bengala llamado Richard Parker, y que transforma sus días en aventuras y escenarios que van de lo real a la ficción EL tema central seria la religión y la fe en Dios, y como los seres humanos pasan de la inocencia a la madurez a través del dolor y enfrentar la adversidad. Una suerte de libro de autoayuda que contribuyó al autor a su realización personal.

Sin embargo lo que nos ofrece Ang Lee son bellos efectos visuales y una historia a ratos lenta y con un poco de humor, un hermoso tigre de bengala que entre digitalizaciones y efectos se convierte en el gran protagonista de la historia. El mismo Ang Lee confiesa no querer ser un traductor del libro, y no le es fiel, lo que deseaba era narrar una aventura fantástica con todos los aspectos técnicos que conoce y enfrentar el 3D, que no percibimos a grandes rasgos ya que pocas veces nos sorprende algún objeto volando hacia la cara, pero lo logra en profundidad de planos y perspectivas. Aun así es muy difícil mantener la atención con tan solo un bote a la deriva, un tigre y un niño, y se vale de muchos elementos visuales de gran esplendor, uso del color, recreación del mar, animales exóticos y muchos flash back. Una fotografía a cargo del chileno-estadounidense Claudio Miranda, que le ha valido un premio BAFTA y predice un OSCAR, y la música a cargo de Michael Danna, con toda la influencia de la musica oriental, y quien compone junto a Bombay Jayashri el tema original de la película cantado en tamil.


Concentrado en sus logros tecnológicos,  efectos 3D y un tigre, se pierden los símbolos difícilmente reconocibles, el barco que es la luz que se apaga ante el poder de la naturaleza llamado Tsimtsum (japonés) que significa "reducción", donde bajas la intensidad de la luz divina para dar paso al proceso de creación desde la nada, de igual formal la isla flotante que representa la madre naturaleza con sus dos cualidades de dar vida y destruir,  y un final donde todo lo narrado no es mas que la elección de quien prefiere vivir engañado o mantenerse en la realidad, dando pie a pensar que toda esa excusa de la religión no es mas que fábulas, que al igual que el cine solo por momentos nos dan un espacio para la ilusión y la fantasía.

The Master | La redención y la Frustración

Joaquín Phoenix después de dos años interpreta a Freddie Quell, en lo que sería una de sus más brillantes actuaciones, un vagabundo que ha sufrido el trauma de la guerra y se une a una secta religioso-filosófica donde se convierte en la mano derecha de su creador Lancaster Dodd interpretado por Philip Seymour Hoffman, recordado por películas como "La Duda", "Capote", "Antes que el diablo sepa que has muerto", "Mary y Max" (voz), y muchas más donde ha demostrado su talento, y que esperamos ver en "En Llamas", la segunda parte de "Los Juegos del Hambre". Es él quien sugiere que el protagonista de esta película sea Freddie Quell y no Lancaster a quien el interpreta.


Ambientada en 1950 una época que según la investigación de su director, también guionista y productor Paul Thomas Anderson, dio fruto a movimientos espirituales gracias a las consecuencia de la segunda guerra mundial, se centra en el experimento (tratamiento) que aplica Lancaster a Freddie, en una suerte de secta similar a la cienciología o a la dianética, esperando este de resultado, pero que a la larga encuentra en el frustración y dudas. Con innumerables juegos de cámaras, encuadre, enfoques y desfeonques, entretiene el ojo para no aburrirnos en una historia a veces plana que podemos considerar no esta hecha para todo público.


Jonny Greenwood, el guitarrista de Radiohead, tiene a cargo la banda sonora, con once temas originales y cuatro de la época de los cuarenta y cincuenta interpretados por ELla Fitzgerald, Jo Stafford, entre otros, Es la segunda vez que compone para una película, y lo hace con determinación acompañado por la Orquesta Contemporánea de Londres y  la Orquesta de Cámara AKUSO.



El vestuario es tan protagonista como el resto, a cargo de Mark Bridgest quien ganara un Óscar por "El Artista" en el 2011, ha diseñado para muchos films y ahora muestra un guardarropa elegante y cercano a la realidad. Ha trabajado con Anderson desde su primera película en 1996, y desde que se planificó THE MASTER, comenzó su investigación y aunque la historia tiene lugar en 1950, toma elementos de los cuarenta y cincuenta y los conjuga. Fiel creyente que es mejor investigar en libros y no en Internet,  encuentra en ellos  imágenes que sirvieron para recrear escenas tan contundentes como la de la escultura de la mujer hecha con arena en la playa o el hospital militar. EL vestuario es amplio y numeroso, porque hay diferentes locaciones como San Francisco, El Norte de California, Phoenix, Philadelfia, 5ta Avenida, e Inglaterra, por lo que para demarcar las secuencias utilizó paletas especificas para cada una, como por ejemplo verdes, amarillos, dorados y marrón (oxido) para Phoenix, dando al espectador un sentido mas amplio del lugar.

Cargada de extraordinarias actuaciones disfrutaremos de los enfrentamientos entre los protagonistas, con excelentes diálogos y expresividad, sin embargo en algún momento la trama se pierde y no sabemos a donde va. Quizá para no despertar las reacciones de algunas sectas que el director tocó levemente, la crítica se apaga y se diluye en anécdotas y detalles poco importantes.

Amour.... Vejez, enfermedad y muerte

Un juego de cámaras en espacios cerrados que nos introduce como espectadores siempre desde fuera, como una forma de no entrometernos en la vida de esta pareja, que busca resolver sus problemas en total intimidad. Así nos muestra Heneken a Anne y a George, quienes han vivido mucho tiempo juntos, compenetrados, pero de pronto como consecuencia de los años,  sus vidas cambian, Anne comienza el camino hacia el deterioro físico a causa de la enfermedad y George trata de mantener las fuerzas para seguir adelante y mantenerla a su lado.

Michael Haneke maneja el drama y el dolor a secas, el único aliciente es el amor, en una relación basada en la comprensión y el respeto; un  final que se muestra desde la primera escena, y convierte en lo  importante la manera que los  ancianos llevan sus días después de la enfermedad. Carente de banda sonora, salvo poca participación  del  piano, una escenografía limitada a un departamento, de luz tenue y natural, y un exterior que se deja ver solo a través de unos cuadros impresionistas en las paredes del apartamento, con estos elementos Haneke desnuda los sentimientos y saca del espectador la sensibilidad, ya sea irritándonos con momentos largos y lentos que parecen aburridos pero que nos llevan a un desenlace importante en la narración, o en planos estáticos que nos mueve la curiosidad o nos genera frustración, sea cual fuere la técnica, la base de sus películas es adentrarse en  las emociones y lo logra.

Con cinco nominaciones al Oscar  y muchos premios en su haber como:  Premios del cine Europeo a mejor actriz, mejor película y mejor director en los , Palma de oro a mejor película, tres Premios Lumiere, Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa, entre otros,  podemos asegurar que es una obra maestra.

Enmanuelle Riva, en el papel de Anne se introduce por completo en un personaje bien construido y con un realismo excepcional, de igual forma el veterano  Jean Louis Tringtinant regresa despues de 14 qaños de retiro para  interpretar a George. Una  pareja de octogenarios,  profesores de música retirados, que enfrentan la vejez y la enfermedad con ternura y sobre todo con Amor.

Moonrise Kingdoms, Un cuento infantil inteligente

Wes Anderson, con su particular mirada recrea en la pantalla una historia de amor adolescente, llena de romanticismo, y un humor particular. Extravagante y en extremo teatral nos cuenta como dos jóvenes unidos en la tragedia que creen es sus vidas planean una fuga que se vuelve un caos cuando los padres, el jefe de la policía,  scouts y una trabajadora social se unen en su búsqueda.

Valiéndose de distintas experiencias personales Wes Anderson y Román Coppola logran un guion que trata sobre la inocencia infantil, el deseo de vivir, la necesidad de romper con las convenciones sociales, la ilusión y la aventura  contrastada con la incapacidad del adulto a soltar y a arriesgar escapar de sus vidas llenas de reglas y fracasos. Una reflexión que no se lee a simple vista y que el director adoba con comedia, situaciones fantásticas, exageraciones, y una teatralidad admirable que le suma drama y un tono grave acompañado des actuaciones naive y simples basadas en las expresiones faciales mas que en las palabras.

Estrenada en el festival de Cannes  el 16 de Mayo de 2012, llega muy tarde a nuestra cartelera, pero no ha dejado de tener elogios de la critica internacional. Con una narrativa que recuerda los cuentos infantiles, y una fotografía y escenarios similar a una puesta teatral, llena de estilismo y buen gusto; soportado por actores de peso encabezado por Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Tilda Swinton, Jason Norton, Frances Mcdromand, Jason Schwartzman, y los niños Kara Wayward y Jared Gilman.

A esto le sumamos al maestro Alexander Desplat,  la magia que su música imprime a los films  no deja de sorprender, solida y elegante, un agregado a la ambientación necesario para narrar este cuento de amor y de vida.

Argo | Un Equipo Magistral.

De George Clooney y Grant Heslov nace la idea de una película que relata el rescate de rehenes en Irán en 1979, basada en un hecho descrito en un articulo de prensa y quienes como productores eligieron el equipo que le dio forma a "Argo".

 Una excelente fotografía, de la mano de Rodrigo Prieto, mexicano que ha participado en diferentes filmes, como Amores Perros, y Biutiful. con un original estilo de uso de la cámara, acompañado de una excelente iluminación, en las grabaciones hechas en Iran hay un aumento del  grano en la cinta que la hacen parecer una película documental y le imprime realismo e incluye hermosos aspectos en el uso del color saturado y brillante. Ya en las tomas en Estados unidos es mas limpia para lograr el contraste entre las dos locaciones.

 Extraordinaria hilación de la historia, aunque de "cierta" ficción si leemos la entrevista realizada a Mark y Cora Lijek (victimas del ataque a la embajada en Irán) realizada por la BBC donde se corroboran los aportes del guionista Chris Terrio a la historia original (mas o menos simple) para convertirla en un hecho sensacional que le inyecta adrenalina y tensión.(http://www.bbc.co.uk/mundo/noticias/2013/01/130114_cultura_cine_argo_historia_real_nc.shtml )


 El Sountrack a cargo de Alexandre Desplat, quien entiende como la música lleva a imaginar situaciones, compone desde la imagen y lo que esta quiere decir,  colocando palabras solo con la instrumentación. Con una gran experiencia e incontables films en su haber incluyendo "El discurso del Rey", "Tan lejos pero tan Cerca", "El Origen de los Guardianes", "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte" entre otras, no esperamos mas que un sonido excelso y elegante que da balance entre la idea, la imagen y la música.


Todos los actores logran caracterizar, en rasgos y vestuario a sus personajes para acercarlos a la realidad. No convence, Ben Affleck en su papel de Tony Mendez,,  quien se  encarna a si mismo mas melancólico y serio y no imprime nada a su personaje al que tratan de aportarle drama con un conflicto familiar no resuelto, inentendible e innecesario.
Como director demuestra  una destreza con la  cámara , planos y encuadres bien planteados, mas no el manejo de las emociones, quizá porque no se centra en ningún personaje en particular y el mayor reto es mostrarlos nerviosos y preocupados, por otro lado intenta crear tensión con salidas evidentes que ademas de predecibles ya no generan ninguna.

Pudo haber sido un film de tinte político, mostrando los conflictos de la época, que  se repiten hoy entre estos países, pero con el exceso de  comedia y la narración de la creación del Film falso Argo, solo es una anécdota bien contada con grandes recursos técnicos donde se deja bien parado al servicio de la CIA, y se condecora el trabajo de un hombre por mantener la imagen de un país que puso en riesgo a mas de 400 ciudadanos americanos en Irán, por proteger a un solo hombre y sus intereses.

La Ley | El Regreso del Cine de Ficheras

El CNAC apoya cualquier proyecto para cine, es el primer comentario que viene a mi mente al terminar de ver la película "La Ley, el orden ...y el desorden".

Una película con poco contenido, que se queda en pretensiones,... pretende ser comedia, pretende ser romántica, y pretende ser política,pero nada de esto sucede en los minutos que transcurre la cinta. Con elementos de humor basados solo en los anti-valores no logra sacar una risa que no sea forzada por la "chabacaneria"la violencia injustificada, y los diálogos mal logrados con personajes estereotipados.

 Dice el director que quiere mostrar: "las primeras impresiones que tienen los extranjeros cuando visitan un país" en este caso Venezuela, mostrando corrupción, ignorancia, delincuencia,personajes que no se desarrollan en la trama y resoluciones incoherentes, una historia que no va a ninguna parte y que muestra un apoyo a la política disfrazado, nunca directo. Problemas de edición, y una musicalizacion que no acompaña ninguno de los momentos expuestos, solo molesta, porque no se llega a escuchar con claridad el tema o sencillamente no se relaciona con la escena Actuaciones precarias, Vanesa en un intento de lectura dramatizada no imprime nada a su personaje, una expresión corporal muy pobre y nada de gestualidad, al igual que la de Luis Fuica sobreactuada,y a esto le sumamos el acento español mal logrado de mucho de los actores, o un doblaje que se percibe con descaro en algunos momentos.

 En referencia al cine venezolano el director Pablo de la Barra dice: - "Creciendo, nos hemos desligado del barrio y de la violencia para las historias. El cine venezolano está evolucionando, no solo en temas, sino en calidad, porque estamos demostrando y ocupándonos de la realidad del país. También hay más recepción del público. Muy pronto el cine venezolano llegará a la mayoría de edad."

Pero en su película solo vemos, violencia, barrios caraqueños, lenguaje vulgar y despectivo, personajes gay trasvestidos llevados a menos, sexo, prostitución... todos aquellos elementos que estancaron el cine Venezolano años atras. En fin una película nada edificante y mucho menos interesante lo peor del Cine de Ficheras de los 70 y 80