El juego del destino | "...El amor es un intercambio de necesidades"

Pat Solitano (Bradley Cooper) es un hombre de treinta y tantos que luego de salir de una institucion mental regresa a vivir con sus padre y con actitud positiva quiere recuperar a sus esposa Nikki, pero en el camino conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence) con quien comienza una amistad basada en el beneficio mutuo.


Algunas diferencias trae la adaptacion de The Silver Lining Playbook, Basada en la novela del mismo nombre la primera de Matthew Quick,  y se le ha traducido como  "EL juego del destino". David O. Russell  hace énfasis en las relaciones familiares, propicia un encuentro entre Pat y Nikki que en el libro no se da, y para que sea mas romántica aun, es Pat quien declara su amor a Tiffany, cuando es ella quien lo hace y confiesa las cosas que hizo para acercarse a el y cuanto lo necesita.


Salvo por Robert De Niro y Jackie Waever como los padres de Pat en el film, las demás actuaciones son realmente promedio. Comienza con buen ritmo, bastante acelerado acompañado de la musica que llega a crispar los nervios mostrando así los estados mentales, y luego decanta hacia un final predecible y complaciente lleno de resoluciones sencillas y un gran abrazo familiar,  sin embargo mantiene el ritmo entre los actores gracias a los diálogos bien llevados donde destacan algunos procesos psicológicos y las relaciones afectivas, lo que la calificaría en la mas "seria comedia romántica".
Hay algunos juegos de cámara como el paneo del atuendo de Ronny en la entrada de su casa, reforzando una idea de superioridad, no se si necesaria,  la secuencia donde se aleja de la pareja en la calle de Nueva York, y la cámara que sigue Jennifer Lawrence en el baile antes de dar el salto que mas que generar emoción es incomoda, decisiones que Russell sabrá explicar muy bien pero para nosotros son confusas.

 Es una película que habla de aquellas actitudes que ocultamos bajo la supuesta normalidad y donde todos tenemos una patología  (manejo de Ira, trastornos obsesivos compulsivos, de atencion,  problemas sexuales, bipolaridad entre otros), que tratamos de minimizar con recursos comunes, sin el uso de de terapias o drogas, al menos que  sea estrictamente necesario. Aunque,  de una manera mas escandalosa  habla sobre la manipulación,  aquellos que desean tu bien y dicen amarte quieren algo a cambio, y manejan las situaciones a su antojo aprovechándose de una debilidad mental y/o  emocional para su propio beneficio. Exalta la co-dependencia,  reforzando que el otro es necesario para salir adelante. Además,  no hay nada que no pueda resolver un poco de trote diario, lecciones de  baile y una relación amorosa.

 Fomenta las relaciones entre iguales, negros con negros, pobres con pobres y locos medicados psicóticos con los de su especie, cada oveja con su pareja, Recuerda libros y películas dedicadas a adolescentes con el mismo problemas e  igual resolución como "Las ventajas de ser un marginado" (The Perks of being a wallflower),  con ese entorno de fantasía donde encuentras tu par igual para que todo parezca "normal", y las conversaciones de sobremesa serán sobre antidepresivos y terapias de grupo logrando ser felices para siempre, reforzando la creencia que la amistad es un intercambio de favores y el amor un intercambio de necesidades.

Tenemos que hablar de Kevin | Injustificando la maldad

"...Si hubiese obtenido un 10 en geometría no estuvieras viendo mi historia en la TV", es el único llamado de conciencia para revisar  que hacemos como sociedad y como personas, no solo con los mensajes de violencia de los medios, sino con las acciones que tenemos para con los otros.

Basada en el libro del mismo nombre Tenemos que hablar de Kevin trata de la relación madre e hijo, Tilda Swinton en el papel de Eva Katchadourian, en una actuación desgarradora de una madre que lucha por conocer las razones de su hijo Kevin para su comportamiento, interpretado por Ezra Miller, quien destaca su versatilidad como actor y le da carácter a su interpretación, aunque son personajes demasiado estructurados y pecan por ser algo planos, ambos salen adelante con elogios. Poco aportan John C. Reilly como Franklin el padre de Kevin y Ashley Gerasimovich como Celia la hermana menor, quien  lo hace mucho mas natural que Jasper Newell en su papel de Kevin de 6 años. Pero lo importante aquí es el conflicto entre los protagonistas y su desarrollo.

Con un libro hecho por una mujer Lionel Sriver, una película hecha por otra mujer Lynne Ramsay, y co-producido por Tilda Swinton, no es de extrañarnos que el personaje de Eva sea por quien sintamos  empatía ante el calvario que vive con su hijo, quien se culpa, y por medio de  flashback  busca en su memoria acabar con ese sentimiento y encontrar razones para lo que Kevin ha hecho.

Nadie quiere  hablar de Kevin y de sus acciones y por eso la directora sugiere lo que sucede: con color, o con solo miradas y gestos, y con escenarios minimalista nos aparta del tema y no nos involucra con lo que sucede en la mente de la madre.   Y evade al igual que  Eva la situación  pero peca en mostrar demás a través de diálogos obvios, exceso de rojo u otros escenarios opresivos que dejan todo en evidencia y vuelve predecible la historia. Igual la banda sonora a cargo de Jonny Greenwood, que utiliza música country con letras que redundan en lo que esta sucediendo y temas instrumentales que pasan un tanto desapercibidos a causa del ambiente tenso del film.

Sin embargo el desarrollo de la psicología de los personajes salva la película,  que es un drama con suspenso y  terror que no tiene nada que ver con lo paranormal, nos mantiene atentos ante lo predecible y seguimos la historia, porque al igual que Eva queremos conocer las razones de los actos de Kevin. Podemos pensar que el intento fallido de Eva como madre influye sobre el niño, o que el exceso de optimismo de Franklin por ser una familia feliz hace caso omiso a las señales y consiente el comportamiento de Kevin. Sin embargo las reflexiones se quedan en el publico, no importa lo que pensemos, aquí no hay trauma infantil, abuso, o posesión demoníaca que permita la redención del niño y nos deje seguir creyendo en el bien. Es la radiografía de la maldad innata y sus consecuencias y la posibilidad de reconocer que quien es cercano no es mas que un extraño a quien no puedes amar.

Se proyectará en Marzo de 2013 en las salas nacionales, aunque fue estrenada en Octubre de 2011.
Otra  película que llega con muchísimo retraso y de las que permanecerá como Moonrise Kingdons solo una semana en cartelera.

La Vida de Pi | ¿Una historia sobre Religión?

En una entrevista Yann Martel reveló que buscaba algo mas que una historia que contar...necesitaba una dirección para su vida. La novela se convirtió en esa dirección y propósito. También declaró que su inspiración para el libro vino de leer una reseña de la novela corta del autor brasileño Moacyr Sclair "Max y los gatos", y en lugar de un niño judeo-alemán Martel uso un niño Hindú, en vez de un jaguar, un tigre de bengala, y en lugar de el océano pacifico, el atlántico. Sclair comenzó una demanda pero luego la abandonó al hablar con Martel y conocer sus razones y quizá porque el escándalo no dio sus frutos.

La Vida de Pi se trata sobre un niño que se hace musulmán cristiano e hinduista, que naufraga 227 días en el océano al lado de un tigre de bengala llamado Richard Parker, y que transforma sus días en aventuras y escenarios que van de lo real a la ficción EL tema central seria la religión y la fe en Dios, y como los seres humanos pasan de la inocencia a la madurez a través del dolor y enfrentar la adversidad. Una suerte de libro de autoayuda que contribuyó al autor a su realización personal.

Sin embargo lo que nos ofrece Ang Lee son bellos efectos visuales y una historia a ratos lenta y con un poco de humor, un hermoso tigre de bengala que entre digitalizaciones y efectos se convierte en el gran protagonista de la historia. El mismo Ang Lee confiesa no querer ser un traductor del libro, y no le es fiel, lo que deseaba era narrar una aventura fantástica con todos los aspectos técnicos que conoce y enfrentar el 3D, que no percibimos a grandes rasgos ya que pocas veces nos sorprende algún objeto volando hacia la cara, pero lo logra en profundidad de planos y perspectivas. Aun así es muy difícil mantener la atención con tan solo un bote a la deriva, un tigre y un niño, y se vale de muchos elementos visuales de gran esplendor, uso del color, recreación del mar, animales exóticos y muchos flash back. Una fotografía a cargo del chileno-estadounidense Claudio Miranda, que le ha valido un premio BAFTA y predice un OSCAR, y la música a cargo de Michael Danna, con toda la influencia de la musica oriental, y quien compone junto a Bombay Jayashri el tema original de la película cantado en tamil.


Concentrado en sus logros tecnológicos,  efectos 3D y un tigre, se pierden los símbolos difícilmente reconocibles, el barco que es la luz que se apaga ante el poder de la naturaleza llamado Tsimtsum (japonés) que significa "reducción", donde bajas la intensidad de la luz divina para dar paso al proceso de creación desde la nada, de igual formal la isla flotante que representa la madre naturaleza con sus dos cualidades de dar vida y destruir,  y un final donde todo lo narrado no es mas que la elección de quien prefiere vivir engañado o mantenerse en la realidad, dando pie a pensar que toda esa excusa de la religión no es mas que fábulas, que al igual que el cine solo por momentos nos dan un espacio para la ilusión y la fantasía.

The Master | La redención y la Frustración

Joaquín Phoenix después de dos años interpreta a Freddie Quell, en lo que sería una de sus más brillantes actuaciones, un vagabundo que ha sufrido el trauma de la guerra y se une a una secta religioso-filosófica donde se convierte en la mano derecha de su creador Lancaster Dodd interpretado por Philip Seymour Hoffman, recordado por películas como "La Duda", "Capote", "Antes que el diablo sepa que has muerto", "Mary y Max" (voz), y muchas más donde ha demostrado su talento, y que esperamos ver en "En Llamas", la segunda parte de "Los Juegos del Hambre". Es él quien sugiere que el protagonista de esta película sea Freddie Quell y no Lancaster a quien el interpreta.


Ambientada en 1950 una época que según la investigación de su director, también guionista y productor Paul Thomas Anderson, dio fruto a movimientos espirituales gracias a las consecuencia de la segunda guerra mundial, se centra en el experimento (tratamiento) que aplica Lancaster a Freddie, en una suerte de secta similar a la cienciología o a la dianética, esperando este de resultado, pero que a la larga encuentra en el frustración y dudas. Con innumerables juegos de cámaras, encuadre, enfoques y desfeonques, entretiene el ojo para no aburrirnos en una historia a veces plana que podemos considerar no esta hecha para todo público.


Jonny Greenwood, el guitarrista de Radiohead, tiene a cargo la banda sonora, con once temas originales y cuatro de la época de los cuarenta y cincuenta interpretados por ELla Fitzgerald, Jo Stafford, entre otros, Es la segunda vez que compone para una película, y lo hace con determinación acompañado por la Orquesta Contemporánea de Londres y  la Orquesta de Cámara AKUSO.



El vestuario es tan protagonista como el resto, a cargo de Mark Bridgest quien ganara un Óscar por "El Artista" en el 2011, ha diseñado para muchos films y ahora muestra un guardarropa elegante y cercano a la realidad. Ha trabajado con Anderson desde su primera película en 1996, y desde que se planificó THE MASTER, comenzó su investigación y aunque la historia tiene lugar en 1950, toma elementos de los cuarenta y cincuenta y los conjuga. Fiel creyente que es mejor investigar en libros y no en Internet,  encuentra en ellos  imágenes que sirvieron para recrear escenas tan contundentes como la de la escultura de la mujer hecha con arena en la playa o el hospital militar. EL vestuario es amplio y numeroso, porque hay diferentes locaciones como San Francisco, El Norte de California, Phoenix, Philadelfia, 5ta Avenida, e Inglaterra, por lo que para demarcar las secuencias utilizó paletas especificas para cada una, como por ejemplo verdes, amarillos, dorados y marrón (oxido) para Phoenix, dando al espectador un sentido mas amplio del lugar.

Cargada de extraordinarias actuaciones disfrutaremos de los enfrentamientos entre los protagonistas, con excelentes diálogos y expresividad, sin embargo en algún momento la trama se pierde y no sabemos a donde va. Quizá para no despertar las reacciones de algunas sectas que el director tocó levemente, la crítica se apaga y se diluye en anécdotas y detalles poco importantes.

Amour.... Vejez, enfermedad y muerte

Un juego de cámaras en espacios cerrados que nos introduce como espectadores siempre desde fuera, como una forma de no entrometernos en la vida de esta pareja, que busca resolver sus problemas en total intimidad. Así nos muestra Heneken a Anne y a George, quienes han vivido mucho tiempo juntos, compenetrados, pero de pronto como consecuencia de los años,  sus vidas cambian, Anne comienza el camino hacia el deterioro físico a causa de la enfermedad y George trata de mantener las fuerzas para seguir adelante y mantenerla a su lado.

Michael Haneke maneja el drama y el dolor a secas, el único aliciente es el amor, en una relación basada en la comprensión y el respeto; un  final que se muestra desde la primera escena, y convierte en lo  importante la manera que los  ancianos llevan sus días después de la enfermedad. Carente de banda sonora, salvo poca participación  del  piano, una escenografía limitada a un departamento, de luz tenue y natural, y un exterior que se deja ver solo a través de unos cuadros impresionistas en las paredes del apartamento, con estos elementos Haneke desnuda los sentimientos y saca del espectador la sensibilidad, ya sea irritándonos con momentos largos y lentos que parecen aburridos pero que nos llevan a un desenlace importante en la narración, o en planos estáticos que nos mueve la curiosidad o nos genera frustración, sea cual fuere la técnica, la base de sus películas es adentrarse en  las emociones y lo logra.

Con cinco nominaciones al Oscar  y muchos premios en su haber como:  Premios del cine Europeo a mejor actriz, mejor película y mejor director en los , Palma de oro a mejor película, tres Premios Lumiere, Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa, entre otros,  podemos asegurar que es una obra maestra.

Enmanuelle Riva, en el papel de Anne se introduce por completo en un personaje bien construido y con un realismo excepcional, de igual forma el veterano  Jean Louis Tringtinant regresa despues de 14 qaños de retiro para  interpretar a George. Una  pareja de octogenarios,  profesores de música retirados, que enfrentan la vejez y la enfermedad con ternura y sobre todo con Amor.

Moonrise Kingdoms, Un cuento infantil inteligente

Wes Anderson, con su particular mirada recrea en la pantalla una historia de amor adolescente, llena de romanticismo, y un humor particular. Extravagante y en extremo teatral nos cuenta como dos jóvenes unidos en la tragedia que creen es sus vidas planean una fuga que se vuelve un caos cuando los padres, el jefe de la policía,  scouts y una trabajadora social se unen en su búsqueda.

Valiéndose de distintas experiencias personales Wes Anderson y Román Coppola logran un guion que trata sobre la inocencia infantil, el deseo de vivir, la necesidad de romper con las convenciones sociales, la ilusión y la aventura  contrastada con la incapacidad del adulto a soltar y a arriesgar escapar de sus vidas llenas de reglas y fracasos. Una reflexión que no se lee a simple vista y que el director adoba con comedia, situaciones fantásticas, exageraciones, y una teatralidad admirable que le suma drama y un tono grave acompañado des actuaciones naive y simples basadas en las expresiones faciales mas que en las palabras.

Estrenada en el festival de Cannes  el 16 de Mayo de 2012, llega muy tarde a nuestra cartelera, pero no ha dejado de tener elogios de la critica internacional. Con una narrativa que recuerda los cuentos infantiles, y una fotografía y escenarios similar a una puesta teatral, llena de estilismo y buen gusto; soportado por actores de peso encabezado por Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Tilda Swinton, Jason Norton, Frances Mcdromand, Jason Schwartzman, y los niños Kara Wayward y Jared Gilman.

A esto le sumamos al maestro Alexander Desplat,  la magia que su música imprime a los films  no deja de sorprender, solida y elegante, un agregado a la ambientación necesario para narrar este cuento de amor y de vida.